A Natureza a imitar a arte

 

@dotinglyricism

"A consolatory art for distressed hearts.”

 

É como Van Gogh se refere às suas telas produzidas em Arles. «A arte é um consolo para os corações aflitos»

Selfie with ‘Sunflowers’
Julian Barnes

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Ever Yours: The Essential Letters
by Vincent van Gogh, edited by Leo Jansen, Hans Luijten and Nienke Bakker.
Yale.

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Tal como há escritores de escritores, também há pintores de pintores: exemplos necessários, guias morais, encarnadores da arte. Muitas vezes são artistas silenciosos, a quem falta uma biografia gritante, que realizam o seu trabalho com modesta pertinácia, acreditando que a arte é maior do que o artista. Pintores mais ruidosos, por vezes, não os tratam de forma sensata. 

Em França, o século XVIII deu-nos Chardin, o 19º Corot, e o 20º Braque: todos verdadeiros norte na bússola artística. A sua relação com os seus descendentes é por vezes de influência, mais geralmente de conversa semi-privada ao longo dos séculos (Lucian Freud fazendo versões de Chardin, Hodgkin pintando 'After Corot'). Mas também vai além disso - além da admiração, além do estilo, da homenagem, da imitação. 

Van Gogh, mesmo quando se estava a torcer violentamente para uma forma de pintura que ainda hoje nos surpreende, enchia as suas cartas e a sua mente com pensamentos de Corot (ele também valorizava muito Chardin). Foi uma homenagem do artista vivo à clareza de visão do seu antecessor, um reconhecimento de que é isto que é a pintura. Tal como o jovem John Richardson, visitando o estúdio de Braque pela primeira vez, sentiu que tinha chegado "ao âmago da pintura".

Mas estes artistas aparentemente silenciosos revelam-se frequentemente mais clarividentes e mais radicais do que presumimos. Corot, por exemplo, uma vez sonhou com todo o Impressionismo. Como Van Gogh escreveu ao seu irmão Theo em Maio de 1888,

Quando o bom Père Corot disse alguns dias antes de morrer: ontem à noite vi nos meus sonhos paisagens com céus totalmente cor-de-rosa, bem, não vieram eles, aqueles céus cor-de-rosa e amarelos e verdes, em paisagens impressionistas? Tudo isto é para dizer que há coisas que se sentem no futuro e que realmente acontecem.

Na época da carta de Van Gogh, a luta do século na arte francesa entre a cor e a linha tinha sido resolvida a favor da cor (estabelecida por um tempo, até alguns anos mais tarde o Cubismo restaurar a primazia da linha). 

O rosa de Corot evoluiu para uma cor principal, enfurecida e chocante: o rosa a vaguear subrepticiamente nas sombras, o rosa evidente dos palheiros de Monet e o Pessegueiro Rosa de Van Gogh e ainda activo no rosa do último quadro de Bonnard, «Amendoeira em Flor». Mas o amarelo e o verde também lá estavam, como Van Gogh observou e o laranja e o vermelho; oh, e o azul e o preto. 

Tiraram as tampas de todos os tubos e a cor parecia recuperar a sua liberdade e intensidade: riquezas que tinham sido suprimidas - quer por auto-censura, quer por ditames académicos - desde os dias de Delacroix.

Ninguém coloria de forma mais gritante e inesperada do que Van Gogh. A sua descarada cor dá aos seus quadros o seu charme berrante. "Cor", parece ele dizer: nunca se viu cor antes, olhem para este azul profundo, este amarelo, este preto; vejam-me colocá-las gritantemente lado a lado. 

A cor para Van Gogh era uma espécie de barulho. Ao mesmo tempo, não podia parecer mais inesperado, vindo do escuro, sério e socialmente preocupado jovem holandês que durante tantos anos do início da sua carreira tinha desenhado e pintado imagens escuras, sérias e socialmente preocupadas de camponeses e proletários, de tecelões e colhedores de batata, de semeadores e enxadas. 

Esta emergência, esta explosão das trevas, não tem paralelo, excepto em Odilon Redon (que foi mais incitado a colorir por forças internas, enquanto que Van Gogh foi incitado a fazê-lo externamente - primeiro em Paris pelos Impressionistas, e depois pela luz do Sul). 

No entanto, há sempre continuidades, mesmo na mudança de estilo dos artistas. O assunto de Van Gogh, afinal, permaneceu muito igual: o solo, e aqueles que o tratam; os pobres, e o seu heroísmo teimoso. 

O seu credo estético também não mudou: ele queria uma arte para todos, que poderia ser complicada em meios, mas simples de apreciar, uma arte que elevava e consolava. 

Assim, até a sua conversão à cor tinha uma lógica. Na sua juventude, reagindo contra a piedade estólida e a conformidade da Igreja Reformada Holandesa, ele tinha espreitado não para o ateísmo, mas o seu oposto, o evangelismo. A sua noção de trabalhar como padre entre os oprimidos não devia terminar com mais sucesso do que a maioria dos seus outros esquemas de juventude; mas a linha fundamentalista, tudo-ou-nada nos seres humanos, uma vez despertada, nunca desaparece por completo. Assim, o pintor esforçado que, no mais bem sucedido dos seus esquemas, partiu para Arles, primeiro trabalhando sozinho, depois ao lado de Gauguin, depois novamente sozinho, depois no hospital psiquiátrico de Saint-Rémy, foi contínuo com aquele homem mais jovem violentamente principiante: ele tinha crescido para se tornar um evangelista de cor.

Tornou-se mais difícil ao longo dos últimos 130 anos, mais ou menos, ver Van Gogh. É praticamente mais difícil na medida em que a nossa abordagem às suas pinturas nos museus é frequentemente bloqueada por uma turba crescente e excitável de fãs mundiais, com iPhones ao alto para a necessária selfie com Girassóis. 

São bem-vindos: o alcance internacional da arte deve ser uma questão, não de desaprovação snobe, mas sim de gestão de multidões e piedosa maravilha - como descobri quando um presente de aniversário de uma caneca Van Gogh atingiu o alvo com a minha afilhada de 13 anos em Mumbai. 

Mas há demasiado barulho à volta de Van Gogh para além do barulho das suas pinturas. Há a obra, depois as várias centenas de milhares de palavras que ele próprio escreveu, depois as biografias, depois o romance, depois o filme do romance, depois a loja de presentes, depois até (como na Galeria Nacional) os sacos de Girassol em que se levam os tesouros para longe da loja de presentes. 

O pintor tornou-se uma marca mundial. E assim há um inevitável desgaste, tanto a nível micro como a nível macro: o romance de Irving Stone de 1934, transformado num honrosamente hilariante filme em 1956 com Kirk Douglas como Van Gogh e Anthony Quinn como Gauguin, chamava-se Lust for Life. A frase original holandesa, tal como apresentada no grande conjunto de seis volumes de cartas publicadas em 2009 pelo Museu Van Gogh, era 'alegria de viver'.

Temos o problema de ver, tal como muitas vezes temos um problema de ouvir (ou ouvir claramente), digamos, uma sinfonia de Beethoven. É difícil voltar às nossas primeiras visões e audições enlevadas, quando Van Gogh e Beethoven nos atingiram os olhos e os ouvidos como nada o tinha feito antes; e, no entanto, é igualmente difícil de romper com novas visões e novas audições. 

Assim, tendemos, um pouco preguiçosamente, a reconhecer a grandeza por defeito, e afastamo-nos das multidões que o descobrem como o descobrimos pela primeira vez. 

Porém, se em busca do silêncio e de um desenfreado Van Gogh, nos retirarmos então para o livro de arte, somos desiludidos de forma diferente: por mais fiel que seja a reprodução da cor, a página plana suprime sempre o impasto molhado da superfície da tinta, um impasto tão espesso que o pintor por vezes esperava semanas antes de poder enviar pelo correio a tela ao seu irmão-agente Theo. 

Julian Bell, na sua curta biografia e apreciação, descreve apropriadamente Starry Night over the Rhône como "mais próximo de um relevo escultórico do que de uma imagem plana reprodutível".

A vida também se mete às vezes no caminho. Tornámo-nos demasiado familiarizados com os contornos da biografia. A pobreza, a raiva, o desespero, as prostitutas, a loucura, o corte da orelha, o suicídio; a vida de aparente fracasso seguida de uma morte de espantoso sucesso. 

Projetando para trás, lemos a loucura do pintor a invadir a pintura: os rodopios e os espirros e as trincheiras perturbadas da tinta, os céus negros, os corvos mais negros a descolar através do campo de trigo. Ele sofreu para que pudéssemos desfrutar. Inevitavelmente, somos tentados a equiparar a loucura ao génio, a propor Van Gogh como o derradeiro exemplar moderno do mito de Filoctetes: da ferida e do arco. 

Se isso agora parece um pouco datado, um pouco obviamente redutor, a furiosa crença na localização da criatividade artística permanece e ultimamente tem passado para a genética. Um estudo recente de 86.000 islandeses. supostamente descobriu que aqueles com factores de risco genético para esquizofrenia e desordem bipolar parecem ter uma maior probabilidade de serem criativos. 

Mas por vezes o arqueiro puxa o arco apesar da ferida e não por causa dela. Isto é certamente o que o próprio pintor pensava. Menos de três meses antes da sua morte, Vincent escreveu a Theo: "Ah, se eu tivesse sido capaz de trabalhar sem esta doença sangrenta! Quantas coisas eu poderia ter feito..." Um dos tios de Van Gogh desfez-se em pedaços e suicidou-se, enquanto a sua irmã Willemina foi internada num asilo em 1902 e lá passou 39 anos em silêncio quase total. Nenhum deles pintou muito. Isto parece-me provar que foi a loucura que correu na família e não a criatividade.

A história de vida de Van Gogh leva-nos frequentemente ao terror e à piedade. Sofremos por ele quando Theo, embora muito bom nos negócios, a par do Impressionismo, e capaz de vender tanto Monet como Gauguin, não consegue encontrar um comprador para mais do que um único quadro de Vincent's. 

Este triste facto também nos estimula à autocongratulação: veja como nós, que viemos mais tarde, apreciamos o seu trabalho, como os nossos olhos, o nosso gosto e a nossa simpatia são superiores àqueles que o desprezaram e o mal-entendidos no passado; veja também quanto dinheiro os nossos magnatas e instituições de arte estão dispostos a pagar pelo seu trabalho precioso. O pintor mais valioso da época de Van Gogh foi Meissonier, aquele Alexandre Dumas da pintura do século XIX, cuja fama, tema (tipicamente, os triunfos e desastres de Napoleão) e técnica tradicional poderíamos esperar plausivelmente ter repelido o pintor mais jovem. Van Gogh desdenhou aquilo a que chamou 'studio chic', mesmo que pintar fora de portas significasse ficar com moscas, pó e areia colados à sua tela. Meissonier tornou-se o pintor mais caro do mundo na sua própria vida; Van Gogh só atingiu essa posição um século depois da sua morte.

Para além de encontrar uma altura do dia em que a galeria de arte esteja razoavelmente vazia, uma forma de tentar fazer com que o Van Gogh destraído volte às nossas cabeças é seguir o relato do próprio pintor sobre a sua vida e arte. Bell chama a esses seis volumes de cartas "o maior comentário que qualquer artista já forneceu sobre a sua própria obra". 

Esta nova rescisão, apesar do seu volume único, contém um número muito substancial de palavras: pela minha contagem, talvez 400.000 dos 850.000 originais. Mas o tamanho e a densidade, são importantes. 

O movimento do cérebro, do olho e da mão de Van Gogh são aqui registados com grande - muitas vezes zangado, por vezes auto-comiseração, por vezes paranóico - comprimento. 

Bell, tendo lido os seis volumes, admite que enquanto adora a obra e admira muito as letras, "nem sempre gosto dele". 

Certamente, Van Gogh era o partilhador do inferno, uma presença insistente, prepotente, carente, exigente, livre, sempre a dar conselhos e com a mania de saber mais que todos - quando a sua cunhada dá à luz, o tio Vincent revela-se como um súbito perito em cuidados infantis, mesmo para amamentar. 

Porém,  não se está a pedir aos leitores das cartas que partilhem o seu apartamento, apenas a sua extraordinária luta mental e artística. A advertência de Bell lembrou-me de estar uma vez em Toronto e de me deparar com um exausto Michael Holroyd, depois de percorrer o mundo inteiro com o seu terceiro volume da biografia de Bernard Shaw. Explicou o seu trabalho com um resignado bom humor: "Continuam a perguntar-me se ainda gosto de Shaw. É ... é ... irrelevante".

Van Gogh’s ‘The Pink Peach Tree’ (1888)

Mesmo assim, Van Gogh's é uma presença intensa; muitas vezes uma presença de agreste, mesmo quando só se agride a si mesmo. Ele fica frequentemente consternado com a forma como se dá mal com os outros, com a facilidade com que os ofende ou irrita - não que depois modere o seu comportamento. 

Obrigado a regressar a casa em Nuenen durante cerca de um mês, imagina que os seus pais vêem a sua visita como tendo "um cão grande e desgrenhado em casa ... com as patas molhadas ... E ele ladra tão alto'. Esta intensidade é desinteressante para as mulheres: 'Não, não, nunca' é a célebre tripla recusa que ele recebe quando se propõe a Kee Vos; caracteristicamente, ele acredita que, dado o tempo e o acesso (ambos foram severamente recusados pela mulher em questão), ele poderia transformar isto num 'Sim, sim, agora'. 

Dirige-se ao mundo com propostas semelhantes e urgentes, também concebidas para resolver tudo na sua própria vida: deve ir para a América, deve ir para os trópicos, ele e Theo devem ir para Inglaterra e vender lá os impressionistas (uma ideia tonta na altura, e ainda tonta quando se trata dos Pós-Impressionistas). A sua noção de que os Impressionistas deveriam formar uma espécie de guild comercial soa mais prática, excepto que quando chegou a Paris já estavam na sua oitava exposição colectiva; como diz Bell, "Vincent estava ... a apanhar o movimento no momento em que este se evaporou". 

Menos exequível ainda era a sua noção de que os artistas deviam viver com os seus comerciantes, que se ocupariam do 'lado doméstico' das coisas, que incluía a cozinha (Van Gogh era um péssimo cozinheiro, embora Gauguin fosse um excelente cozinheiro). 

Também estava sempre convencido de que o mercado da arte estava perigosamente sobreaquecido, num estado comparável à bolha anterior, "tulip mania". (O que teria ele feito do mercado contemporâneo - e a sua própria presença no mesmo?) A nível pessoal, aceitou largamente o acordo de que entregar-se à Arte significava dar menos de si à Vida, e Balzacianly acreditava na ligação entre o criativo e o suco sexual: "Se não foderes demasiado, a tua pintura será a mais fiada para isso". Ao decorar a Casa Amarela em Arles, comprou 12 cadeiras. No entanto, ele nunca se divertiu, e não teve discípulos.

Mas estes gemidos e esquemas loucos são ruídos de fundo de um processo de heroísmo artístico, de determinação face ao desânimo - determinação, de facto, face ao seu próprio carácter. 

A arte é uma questão de moagem diária, de hora em hora. Ao mesmo tempo, essa trituração é complicada e estratificada, uma mistura de dura praticidade e intensa sonhadora. 

Van Gogh tomou o pontilhismo (que, sendo semi-científico, é essencialmente um meio calmo) e fez dele algo feroz; transformou-se na charneira entre o Impressionismo e o Expressionismo. Foi também virtualmente autodidacta - excepto que aprendeu com os melhores professores, aqueles que o precederam. 

É salutar recordar que as simpatias dos pintores são muitas vezes mais variadas do que poderíamos ingenuamente - ou num espírito de correcção política estética - esperar que fossem. Assim, embora possamos dar sentido à admiração de Van Gogh pelo père Corot e pelo père Chardin, é uma verdadeira surpresa que em muitas ocasiões ele vá contra o grão óbvio na sua admiração por - sim - Meissonier: 'Agora um Meissonier, se olharmos para ele durante um ano, ainda há nele o suficiente para olhar para o ano seguinte, nunca temamos'. Mesmo depois de ter absorvido a pancada total do Impressionismo, acredita na continuidade artística, naquela conversa essencial e contínua com o passado. Rejeita qualquer ideia de uma "separação rigorosa" entre o novo movimento ousado e o que se passou antes: "Acho muito feliz que neste século tenha havido pintores como Millet, Delacroix, Meissonier, que não podem ser ultrapassados".

Pierre Bonnard’s ‘Almond Tree in Blossom’ (1947)

Os acontecimentos públicos pouco influenciaram a sua consciência: nestas páginas há uma referência à morte de Kaiser Wilhelm - sendo a sua principal preocupação o efeito que possa ter no mercado de arte - e uma referência ao chanceler político de direita General Boulanger. 

Ele só está interessado naquelas coisas que lhe interessam, mas elas tornam-se uma mistura completa: "Livros, realidade e arte são o mesmo tipo de coisa para mim". E assim, tal como Cézanne, ele leu e leu: George Eliot, Dickens ("nobre e saudável"), Charlotte Brontë, Shakespeare, Aeschylus, Balzac, Flaubert, Maupassant, Daudet, Zola ("coisas saudáveis e limpam a mente"), Longfellow, Whitman, Harriet Beecher Stowe. 

Ele aprova Goncourt porque é "tão consciencioso, e tanto trabalho é feito". Ele próprio é um excelente escritor: intenso, observador, colorido, próximo da vida. Ele pode ser espirituosamente desdenhoso: Luís XIV é "aquele metodista Salomão". Ele pode descrever descer uma mina com a clareza (e paixão social) de Zola. Ou tomar esta descrição das roupas dos camponeses em Nuenen e arredores:

As pessoas aqui usam instintivamente o azul mais belo que alguma vez vi. É o linho grosseiro que eles próprios tecem, preto urdidura, azul trama, o que cria um padrão listrado preto e azul. Quando está desbotado e ligeiramente descolorido pelo vento e pelo tempo, é uma tonalidade infinitamente calma e subtil que faz sobressair especificamente as cores da carne. Em suma, azul suficiente para reagir com todas as cores em que há elementos cor-de-laranja escondidos, e desbotado o suficiente para não colidir.

É seguro dizer que o linho camponês raramente tem sido visto com um olhar tão meticuloso e simpático.

Lendo estas cartas da vida de Van Gogh, não podemos desconhecer o que vai acontecer no seu tempo de morte. Assim, o tilintar de ironia póstuma é muitas vezes insuportavelmente barulhento. 

Quem senão os especialistas já ouviram falar dos pintores franceses Georges Jeannin (1841-1925) e Ernest Quost (1844-1931)? No entanto, mais de uma vez Van Gogh faz esta comparação: "Sabe que Jeannin tem a peónia, Quost tem o azevinho, mas eu tenho o girassol, de certa forma". De certa forma! 

No mesmo ano, ele resume a sua vida num estado de espírito menos de autocomiseração do que de realização sóbria: 'Agora, eu próprio como pintor, nunca significarei nada de importante, sinto-o absolutamente". 

O seu Calvinismo precoce pode ter sido pintado em demasia com o determinismo social de Zola, mas pode facilmente imaginar-se feito sob qualquer dos dogmas. 

Quanto ao seu suicídio: embora o assunto se repita a intervalos regulares através das cartas, o acto em si nunca é aplaudido. Ele cita o remédio do "incomparável Dickens" contra pensamentos suicidas: "um copo de vinho, um pedaço de pão e queijo e um cachimbo de tabaco" (ele próprio adicionou o pão e o queijo). Cita Millet para que "o suicídio é o acto de um homem desonesto". Ele sustenta que a escritura 'faz verdadeiramente assassinos dos amigos'. Além disso, que 'um suicídio falhado é o melhor remédio para o suicídio no futuro'. Teria ele tentado falhar quando apontou o revólver ao seu coração?

Nas últimas semanas da sua vida, uma cor utilizada no seu trabalho é mencionada repetidamente: o rosa. Escreve "as oliveiras com o céu rosa", "rosas rosa contra um fundo amarelo esverdeado", "um estudo dos castanheiros rosa", "os Arlésienne ... em rosa", e "alguma areia rosa ensolarada". Será isto uma oportunidade? Coincidência? Ou será que o velho e revolucionário cor-de-rosa do sonho do moribundo Corot regressou para se despedir dele?

O que agrada ao PÚBLICO é sempre o que é mais banal', escreveu ele ao seu irmão em 1883. Mas hoje em dia Van Gogh agrada imensamente ao público. Tornou-se assim banal? Será que a nossa dificuldade em vê-lo devidamente poderia ser um sinal de que só há tanto para se ter, e/ou que com a idade crescemos fora dele? Estranhamente, não. Ele não é um daqueles pintores - como, digamos, Degas ou Monet - que, ao longo das décadas, refinam e aprofundam a nossa visão. Não tenho a certeza que as pinturas de Van Gogh mudem muito para nós ao longo dos anos, que o vejamos de forma diferente, que encontremos mais nele, aos sessenta ou setenta anos do que nós aos vinte.

Pelo contrário, a sinceridade desesperada do pintor, a sua cor audaz e resplandecente e o seu desejo intenso de fazer da pintura uma arte consoladora para corações aflitos levam-nos de novo a ter vinte anos. E esse não é um mau lugar para se estar. Talvez esteja na altura de uma selfie com girassóis.

Campos de trigo

 

Van Gogh pintou muitos campos de trigo em várias estações do ano, da vida e do trabalho humano. Pintou-os dourados, como aqui, verdes, solarengos, sombrios, solitários, encorajadores, japonesados, capinados, ceifados, ondulados, com corvos e ciprestes, prenúncios de morte. Pintava os campos de trigo não só como coisas materiais, realizadas por semeadores concretos, mas também como coisas espirituais, realizadas por semeadores simbólicos, semeadores de amor e de vida cujas colheitas só mais tarde se desfrutam, depois de amadurecidas. Pintava-os como expressão da sua profunda comunhão com a natureza que ele comparava à dos antigos que tinham uma vida mais completa nessa união espiritual com o mundo natural. Pintava-os como olhares profundos e extensos do que está vivo e em movimento, apesar de parado. Pintou-os aqui com cores douradas, postas em evidência pelos salpicos de papoilas e o verde que polvilha a seara. Tudo aqui está vivo e em movimento sob um céu transitório.

Vincent van Gogh, "Limite de campo de trigo com papoilas" 1887; Denver Art Museum.

Aniversário de van Gogh

 

Três mulheres importantes na vida de van Gogh:

Jo Bonger

O sucesso global de Vincent é em grande parte graças à sua cunhada Jo. Estava casada com Theo van Gogh há menos de dois anos quando ele faleceu, pouco depois da morte do seu irmão Vincent. Jo ficou com um jovem filho e um apartamento cheio de obras de arte de Vincent. Com 28 anos de idade, teve de repente de se sustentar a si própria e ao seu filho.

Theo sempre quis tornar conhecido o trabalho do seu irmão. Jo estava desejosa de realizar este desejo, em memória do seu marido. Muito estrategicamente, vendeu as obras de Vincent a museus e coleccionadores, e desse modo assegurou que fossem vistas por pessoas de todo o mundo.

Depois, em 1914, publicou uma antologia das cartas de Vincent a Theo. Todos podiam agora ler sobre as ideias, pensamentos e sonhos de Van Gogh. Como resultado, ainda mais pessoas começaram a apreciar o seu trabalho.

Quando Jo morreu em 1925, a obra de Vincent já se tinha tornado mundialmente famosa.

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Agostina Segatori

Quando estava em Paris, Vincent encontrou um lugar para exibir o seu trabalho: o café Le Tambourin. Era cliente habitual do café e teve uma breve relação com a proprietária, Agostina Segatori. A antiga modelo de arte utilizou as suas poupanças para abrir o café que se tornou popular entre artistas, escritores e críticos e as paredes foram decoradas com obras dos artistas que frequentavam o Le Tambourin.

De acordo com o seu amigo Paul Gauguin, Vincent estava muito apaixonado por Agostina. No retrato que Vincent pintou dela, ela está à mesa sentada num banquinho. Há um copo de cerveja em cima da mesa, e Agostina segura um cigarro aceso. Os pires debaixo do seu copo traem o facto de ela estar na sua segunda cerveja. Beber e fumar não era considerado apropriado para senhoras respeitáveis na altura, era algo associado a tipos artísticos e a prostitutas.

Agostina era uma mulher moderna e progressista para o seu tempo. Era independente, pois ganhava o seu próprio dinheiro com o café, e oferecia aos artistas mais significativos da época um lugar para exibirem o seu trabalho. No fundo da pintura, podemos ver as gravuras japonesas que Vincent tinha posto em exposição no café.

Agostina e Vincent infelizmente acabaram a relação e Vincent quis todos os seus quadros de volta, só que  Le Tambourin foi à falência e foi vendido, com os quadros de Vincent que ainda lá estavam.

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A mãe de van Gogh

Vincent teve as suas primeiras lições de desenho em casa de sua mãe. Ela também encorajou os seus filhos a cantar, a fazer trabalhos artesanais e a ler muito.

Os pais de Van Gogh não tiveram um trabalho fácil. Vincent abandonav trabalhos e estudos e também se apaixonou pelas mulheres erradas: a filha da sua senhoria, a sua própria sobrinha e uma antiga prostituta. Mas os pais de Van Gogh apoiaram-no sempre. Ajudaram-no a encontrar trabalho e ofereceram-lhe sempre um tecto quando ele precisou.

Vincent podia ser um pouco difícil, mas nunca teve más intenções. Em 1884, quando a sua mãe estava em casa depois de partir uma perna, Vicent pintou a igreja da aldeia deles para a animar. ,Van Gogh pintou as folhas de Outono nas árvores de Inverno nuas. E acrescentou também grupos de fiéis, alguns deles com roupas de luto, quando o pai o ministro da igreja, morreu.

Depois de Vincent se ter mudado para França, trocou cartas com a sua mãe. Isto manteve-o actualizado sobre a forma como ela estava. Em 1889, Vincent enviou-lhe algumas obras de arte por correio. Infelizmente, Vincent e a sua mãe nunca mais se voltaram a ver. Vincent morreu antes de ele ou a sua mãe terem tido a oportunidade de se visitarem.

Fonte: vangoghmuseum

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(excerto de uma carta a seu irmão)

My dear Theo,

(...)

Na Primavera, um pássaro numa gaiola percebe muito bem que há algo em que seria bom; sente muito claramente que há algo a ser feito, mas não o consegue fazer; o que é, ele não consegue lembrar claramente, tem uma vaga ideia e diz a si próprio, "os outros estão a construir os seus ninhos e a fazer os seus pequenos e a criar a ninhada" e bate com a cabeça contra as barras da sua gaiola. E depois a gaiola fica ali e o pássaro fica louco de sofrimento. E no entanto o prisioneiro vive e não morre; nada do que se passa no interior se mostra no exterior: está de boa saúde, está bastante alegre à luz do sol. Mas depois vem a época da migração. Um ataque de melancolia - mas, dizem as crianças que cuidam dele, ele tem tudo o que precisa na sua jaula, afinal - mas ele olha para o céu lá fora, pesado de nuvens de tempestade e no seu interior sente uma rebelião contra o destino. Estou numa gaiola, estou numa gaiola e por isso não me falta nada, seus tolos! Eu, eu tenho tudo o que preciso! Ah, por piedade, dêem-me liberdade, para ser um pássaro como os outros pássaros! 
Um homem ocioso assemelha-se a um pássaro ocioso como aquele.
E muitas vezes é impossível para os homens fazer qualquer coisa, prisioneiros em não sei que tipo de gaiola horrível, horrível, muito horrível. Há também, eu sei, libertação tardia. Uma reputação arruinada com razão ou sem ela, pobreza, inevitabilidade das circunstâncias, infortúnio; isso cria prisioneiros.
Nem sempre é possível dizer o que é que confina, que imura, que parece enterrar e no entanto sente-se, não sei que barras, não sei que portões - muros.
Será tudo isso imaginário, uma fantasia? Penso que não; e depois pergunta-se a si mesmo, Querido Deus, será isto por muito tempo, será isto para sempre, será isto para a eternidade?
Sabes, o que faz desaparecer a prisão é cada apego profundo e sério. Ser amigos, ser irmãos, amar; isso abre a prisão através do poder soberano, através de um feitiço muito poderoso. Mas aquele que não tem isso permanece na morte. Mas onde o amor surge de novo, a vida surge de novo.
E a prisão é por vezes chamada de preconceito, mal-entendido, ignorância fatal sobre isto ou aquilo, desconfiança, falsa vergonha.
Mas para falar de outra coisa, se eu desci no mundo, tu, por outro lado, subiste. E embora eu tenha perdido amizades, tu ganhaste-as. Isso deixa-me feliz, digo-o com verdade, isso far-me-á sempre feliz. Se não fosses tão sério e profundo, poderia temer que não durasse, mas como penso que és muito sério e muito profundo, estou inclinado a acreditar que durará.  
Mas se se tornasse possível para ti ver em mim algo que não fosse um ocioso do tipo mau, eu ficaria muito satisfeito com isso.
E se alguma vez puder fazer algo por ti, ser-te útil de alguma forma, sabes que estou ao seu serviço. Uma vez que aceitei o que me deste, poderias igualmente pedir-me algo se eu pudesse ser útil de uma forma ou de outra; isso far-me-ia feliz e eu considerá-lo-ia um sinal de confiança. Estamos bastante distantes uns dos outros, e em certos aspectos podemos ter formas diferentes de ver, mas mesmo assim, um de nós poderá, um dia ou outro, ser útil ao outro. Por hoje, aperto-te a mão, agradecendo novamente a gentileza que me demonstraste.
Agora, se quiseres escrever-me um destes dias, o meu endereço é C. Decrucq, rue du Pavillon 8, Cuesmes, perto de Mons, e fica sabendo que, ao escreveres-me, me farás bem.

Yours truly,
Vincent

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van Gogh punha amor em tudo o que pintava e daí as suas obras serem tão comoventes. 

Três livros. Dois deles quase se confundem com o fundo de cor terrena, de chão. Estão muito lidos, gastos, as pontas reviradas. São livros de uso, coisas técnicas, talvez. Ah, mas o outro? O da capa cuidada? Esse é um romance de amor - vermelho vivo como o coração.

Se lhe desse um nome seria, A Ventania de Van Gogh

 

... pois parece uma obra abstracta, mas na realidade é a paleta de Vincent Van Gogh em exibição no museu com o seu nome, em Amsterdão.

Van Gogh - mais de mil obras online

 

Dutch Museums Unveil Free Digital Collection of 1,000+ Artworks by Van Gogh

Um consórcio de museus está fazendo sua parte para minorar o efeito dos confinamentos e para levar o trabalho de um dos artistas mais famosos do mundo às massas globais.  Van Gogh Worldwide é um novo projecto de um grupo de museus holandeses que apresenta uma colecção digital de mais de 1.000 obras-primas do artista. A colecção digitalizada, iniciada há vários anos pelo Museu Van Gogh, em Amesterdão, tem agora quase metade das obras pós-Impressionistas deste artista prolífico disponíveis para visualização - com comentários académicos - pode vê-los a partir da segurança da sua própria casa.

Van Gogh viveu de 1853 a 1890, mas a maioria dos seus famosos quadros foram concluídos nos dois últimos anos da sua vida.

Embora Van Gogh fosse mais conhecido por obras-primas a óleo como The Starry Night, era também um prolífico desenhador.

Por enquanto, Van Gogh Worldwide inclui apenas obras de museus holandeses. Estas instituições incluem o Museu Van Gogh, o Museu Kröller-Müller, o Rijksmuseum, o Instituto Holandês de História de Arte e o Museu Boijmans Van Beuningen.

por Madeleine Muzdakis

Junho. Chuva?

A primeira vez que saio de casa sem ser para hospitais e fisioterapeutas e põe-se a chover. Acho indecente. Fui ver a exposição do Van Gogh logo à hora de abrir para não apanhar muita gente e aproveitei para comprar um pastel de Belém, coisa que agora se pode fazer porque está deserto. Vou comê-lo agora :)

A exposição é óptima para crianças. Tem vários filmes, porque vamos acompanhando a vida dele através das cartas e a voz que faz de Van Gogh é a do Dragon Ball ou do amigo do Simba nos desenhos animados, etc. É infantil. Um bocadinho irritante...

O espaço está dinâmico. O quarto dele está todo montado de maneira que parece que entramos dentro da pintura o que é giro.

As paredes estão cobertas de imagens em 3D dinâmicas que recriam as obras. Há uma sala que recria o café que tem num dos lados umas mesas com fotografias montadas com divisão de perspectiva onde podemos sentar-nos a desenhar, coisa que fiz, mas quem estava ao meu lado de um lado e de outro eram só miúdos. Até tem um fardo de palha que os miúdos gostam.

As imagens e reproduções em 3D são muito giras, tem uma ou outra parte interactiva que entretem. Como digo, óptima para miúdos. Mesmo assim estava à espera que tivesse uma obra original. A diferença entre ver reproduções e originais é abissal e parece-me que podia aproveitar-se para dar a conhecer aos miúdos uma obra dele. Causam uma impressão tão forte.

 No fim da exposição, na última sala, tem três ecrãs com curadores do museu Van Gogh a falar da vida dele e das obras. Para adultos. Gostei bastante, embora seja o tipo de coisas que pode encontrar-se na internet.

Pedras - a Natureza pintou os lírios de Van Gogh no seu profundo céu nocturno e fechou o infinito no finito

Photo Credit  R.Weller/Cochise College.
Gemstones courtesy of Starborn Creations
Sedona. Arizona
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Malachite 

Formula: Cu2(CO3)(OH)2
System: Monoclinic
Colour: Bright green, with ...
Hardness: 3½ - 4
Streak: Light green
Malachite is a green, very common secondary copper mineral with a widely variable habit. Typically it is found as crystalline aggregates or crusts, often banded in appearence, like agates. It is also often found as botryoidal clusters of radiating crystals, and as mammillary aggregates as well.

Azurite

Formula: Cu3(CO3)2(OH)2

System: Monoclinic
Colour: Azure blue, blue, light ...
Lustre: Vitreous
Hardness: 3½ - 4
A secondary copper mineral frequently found in the oxidized zones of Cu-bearing ore deposits.

O aniversário de Van Gogh foi há uns dias

Como é que alguém tão atormentado, via tudo tão belo e brilhante, cheio de energia vibrante? Tanta esperança na beleza da natureza, umas vezes descontrolada, cheia de movimento, outras, nietzschiana, como um eterno retorno do mesmo. Os padrões da natureza e da vida humana nela. Aquele derrame descontrolado de luz em cima das telas. Os amarelos, os azuis e os laranjas. Tudo tão descarnado e real. Nem alegre, nem triste. Só o que é, mas num dia de quente de sol.