Luzes na noite azul

"Os portadores de lanternas" por Maxfield Parrish

"Os portadores de lanternas" é um encantador e luminoso óleo sobre tela montado num painel pelo artista americano Maxfield Parrish, em 1908. Parrish foi um dos ilustradores mais conhecidos da época de ouro da ilustração.

Nesta pintura, seis figuras estão vestidas como Pierrots, personagens de pantomima francesas. Estão a pendurar lanternas de papel numa árvore, cuja silhueta se desenha contra o céu. As figuras estão de pé sobre degraus de mármore, de uma forma quase teatral. As lanternas parecem brilhar contra o céu noturno, que se torna ainda mais luminoso no horizonte. Esta obra tem as cores azuis e douradas características, o sentimento utópico geral e o sentido de fantasia pelos quais Parrish é conhecido.

Parrish utilizava a fotografia na sua arte. Preferia vestir os seus modelos com trajes da época, fotografá-los e desenhar a partir da fotografia e não da vida. A fotografia original que utilizou para esta pintura é fielmente reproduzida na tela, com um toque extra da magia de Parrish.

The Lantern Bearers foi o tema de um frontispício na capa da Collier's Magazine de 10 de dezembro de 1910. Entre 1904 e 1910, Parrish teve um contrato de exclusividade com a Collier's, estipulando que só publicaria as suas ilustrações com esta revista. Em 2006, o Museu de Arte Americana Crystal Bridges comprou o quadro por mais de 4,2 milhões de dólares.

Parrish desenvolveu muitas das suas próprias técnicas. Para conseguir o efeito luminoso, aplicava várias camadas de esmalte e pigmento a uma tela branca para permitir que a luz natural se reflectisse na pintura, fazendo lembrar a técnica de esmaltagem utilizada por Leonardo da Vinci. De facto, as suas cores eram tão vibrantes que a cor de tinta "Parrish Blue" foi nomeada em sua honra.

The Lantern Bearers está atualmente em exposição no Crystal Bridges Museum of American Art em Bentonville, Arkansas.

Para saber mais sobre Maxfield Parrish, consulte a sua curta biografia em: myddoa.com/artists/maxfield-parrish/

Fonte da imagem: https://wehco.media.clients.ellingtoncms.com/.../19884168

Fonte do texto: Daily Dose of Art

Spring, the sweet spring

Spring, the sweet spring, is the year’s pleasant king,
Then blooms each thing, then maids dance in a ring,
Cold doth not sting, the pretty birds do sing:
        Cuckoo, jug-jug, pu-we, to-witta-woo!

          - Thomes Nashe

Black Berries in a Green Grapponia (2021) da cantora e compositora, pintora autodidacta, a sueca CajsaStina Åkerström (nascida em 1967). 

Pastéis de óleo/ Lápis de cor 65 x 100 cm Coleção particular.

Traços realistas, atmosfera impressionista

 

 “Les Raboteurs de parquet” de Gustave Caillebotte - Musée d’Orsay in Paris, France.

"O Canto da Cotovia"

 

"Song of the Lark" (O Canto da Cotovia) é uma pintura a óleo sobre tela do artista americano Winslow Homer, de 1876. Esta obra é também por vezes referida como "In the Fields".

Homer retrata um jovem a entrar num campo de trigo para começar o seu árduo dia de trabalho. Leva uma foice no braço direito e um chapéu de sol na mão esquerda, antecipando o sol abrasador do meio-dia. O homem contempla o nascer do dia no céu salpicado de nuvens algodoadas e ouve o canto da cotovia, o "arauto do alvor", como diz Shakespeare. O trigo no campo tem o tom dourado do Verão.

Durante a década de 1870, Homer pintou sobretudo formas de vida rural de uma forma quase idílica. Tanto Homer como os Estados Unidos no seu todo estavam ainda a recuperar da brutal Guerra Civil Americana. Havia um sentimento geral de nostalgia e o desejo de tempos mais simples varria a nação, à medida que as pessoas se debatiam sobre como seguir em frente depois das atrocidades da guerra e da quase dissolução da união.

Na altura em que esta obra foi pintada, a foice estava a ser lentamente substituída pela ceifeira mecânica, um advento da revolução industrial. A escolha de Homero para representar a foice remete para tempos mais simples. O agricultor é retratado como forte, independente e auto-suficiente. É a quintessência do homem americano que trabalha arduamente e que é quase heroico na sua firmeza. (Dailydoseofart)

"Song of the Lark"

- Homer

Os museus têm obras a mais enfiadas em caves ao pó? Emprestem-nas a quem goste delas e as aprecie 🙋‍♀️

 

Os museus nem sabem o que têm e por isso quase todos são alvo de roubos. Porque não vendem algumas obras ou, melhor ainda, emprestem-nas a quem goste delas e as aprecie. É melhor que ter a arte escondida, a deteriorar-se, sem que ninguém a possa apreciar.

Museums have a hoarding problem

Museums’ moves highlight how little of their collections are actually on view.

Muitos museus têm um problema de acumulação. O Museu Britânico expõe apenas 1% dos seus tesouros; o Museu Nacional de História Natural Smithsonian, em Washington, apenas 0,007%. Em armazém, os tesouros estão normalmente protegidos, mas os velhos cofres estão perigosamente cheios.

O Museu Britânico já transferiu algumas das suas grandes esculturas e mosaicos para um novo centro de armazenamento, também em Reading. O Victoria and Albert Museum, o Science Museum e o Ashmolean Museum também têm transportado objectos para novos edifícios. Em França, os conservadores do Museu Nacional de História Natural de Paris queixam-se de um plano de transferência da sua coleção para Dijon. Do outro lado do Atlântico, o Museu mit está na fase final da transferência de 1,5 milhões de objectos.
A mudança pode ser stressante, mas também pode dar a oportunidade de redescobrir, reavaliar e reorganizar os objectos. Nos anos 90, o Metropolitan Museum of Art, em Nova Iorque, admitiu que o seu conservador de arte islâmica nunca tinha visto a sua coleção de tapetes persas, porque estes estavam presos no fundo de uma arrecadação.

E se ninguém souber quais os objectos que lá estão, pode demorar algum tempo a dar-se conta do desaparecimento de alguns. No ano passado, foi revelado que um conservador de dedos leves tinha roubado cerca de 2.000 objectos do Museu Britânico e vendido alguns deles no eBay. Os sete museus nacionais do País de Gales têm em falta 2000 artefactos; o Museu Imperial da Guerra, em Londres, mais de 500.

Os museus têm demasiadas coisas guardadas, diz Christopher Marinello, advogado especializado em arte. Para ele, os objectos que não estão em exposição deveriam ser doados ou vendidos. O Museu de Arte de Indianápolis utilizou um sistema de classificação para se desfazer de um quinto da sua coleção. Os objectos receberam uma pontuação de "A" a "D" (numa escala de "raro" a "inferior") e foram guardados, vendidos ou eliminados.

Gustave Caillebotte - o realista impressionista

 

The Yerres: Effect of Rain by Gustave Caillebotte (1875 ) - Indiana University Art Museum

Gustave Caillebotte foi um pintor de reconhecimento tardio, em grande parte porque era rico e não precisava de vender as suas obras, mas também porque nunca se promoveu, antes promovia os seus amigos impressionistas a quem ajudava, monetária e publicitariamente.

Caillebotte era um realista nos traços e um impressionista nas atmosferas que criava. Pintou imenso: 500 obras, desde paisagens campestres a cenas urbanas.

O Yerres: O Efeito da Chuva foi pintada em 1875 e é a primeira paisagem pura de Caillebotte. O rio Yerres corre a cerca de 20 quilómetros a sudeste de Paris e a família Caillebotte possuía uma grande villa de estuque branco nas suas margens; era um local onde gostava de remar e nadar.

A água era um dos temas preferidos dos impressionistas e, pelo menos neste aspeto, partilhava os gostos dos seus amigos; remadores, canoístas e banhistas tornaram-se temas habituais. Este quadro de dimensões modestas é, no entanto, mais uma obra elegíaca do que solarenga. Os seus quadros mostravam frequentemente figuras que se encontravam sozinhas, mesmo quando acompanhadas, dando-lhes uma sensação de isolamento que pode raiar a melancolia. Aqui, porém, é a melancolia sem as pessoas - apenas chuva de verão, um rio vazio, um caminho vazio e um barco vazio.

A atmosfera lúgubre pode talvez ser explicada pelo facto do seu pai ter morrido no ano anterior. Ao regressar à casa de férias da família, Gustave vê-se confrontado com a sua ausência e com um lugar querido que já não é o mesmo; o morto está presente, no entanto, no barco sem remos, nas folhas caídas e nas ondulações passageiras. Esta é uma paisagem que é também um retrato fiel de um estado de espírito.

Em 1881, Caillebotte mudou de casa e de rio, comprando uma propriedade em Petit-Gennevilliers, no Sena, perto de Argenteuil. Aí, abandonou em grande parte a pintura e dedicou-se a outras actividades: cultivo de orquídeas, desenho de iates e coleção de selos (os seus álbuns encontram-se atualmente na British Library). Também tinha planeado a continuidade dos legados dos seus amigos: legou a sua coleção de obras impressionistas ao Estado e estipulou que esta não deveria ser dispersa por museus de província, mas exposta primeiro no Palácio do Luxemburgo - então reservado aos artistas vivos - e mais tarde no Louvre. Nomeia Renoir seu executor.

The Yerres: Effect of Rain é, portanto, uma lembrança de um lugar - os reflexos quebrados, a tela das árvores que mantêm o mundo à distância, o salpicar das folhas e os círculos de gotas de chuva, tudo cuidadosamente observado - e um memorial tanto para uma vida anterior à qual o seu pai presidiu como, de forma pungente, para a sua própria carreira breve e não anunciada como pintor. (gustave-caillebotte-the-yerres)

António-Pedro Vasconcelos (1939-2024)

António-Pedro Vasconcelos foi o primeiro vulto cultural do meu tempo que defendeu e praticou uma arte para todos e, portanto, contrariou a pseudo-elite cultural portuguesa que sempre considerou que a arte ser popular era sinal de falta de qualidade. A linguagem artística teria que ser hermética, acessível apenas a uns eleitos intelectuais. Lembro-me de ver o filme dele, O Lugar do Morto, na TV, um ou dois anos depois da estreia. Não é que o filme seja uma obra-prima, mas era um filme nacional que não exigia ter lido Proust. Não tenha nada contra Proust e contra os filmes que exigem outra riqueza cultural, pelo contrário, gosto muito deles, mas não podem ser os únicos filmes. Algo está muito mal se as pessoas em geral não podem participar, nunca, da cultura do seu país. Eça de Queiroz, Pessoa, Camões e a Sophia, por exemplo, são grandes escritores/poetas e qualquer pessoa os entende. Houve um tempo que os grande poetas até eram cantados em fado. António-Pedro Vasconcelos teve essa virtude de mudar o registo do diálogo cinematográfico e artístico no nosso país. Tornou-os mais democráticos.

Morreu António-Pedro Vasconcelos, o cineasta que acreditava no grande público

Defensor de um cinema para o grande público, voz activa em vários debates do Portugal democrático, a ele se devem muitos êxitos de bilheteira e algumas obras-primas. Completaria 85 anos no domingo.

Jorge Mourinha

A internet tem coisas extraordinárias que há 50 anos pareceriam da ordem do milagre

 

Se clicar na imagem vai dar à página inicial de uma exposição intitulada, Timeless Beauty. A History of Still Life que abriu em Novembro passado, em Dresden, na Alemanha e decorre até Setembro deste ano. Pode ver as obras e ouvir uma pequena explicação delas. É só fazer scroll na página até encontrar o link, Star the Tour em letras gordas. 

Quem acreditaria, há 50 anos, que pudéssemos ver uma exposição a milhares de quilómetros da galeria onde decorre? A qualidade das imagens é excelente. É claro que não é a mesma coisa que vê-las ao vivo... o Claesz, por exemplo... tudo na pintura dele é tão vivo e carnal. A maioria das obras de arte requerem mediação, quer dizer, temos que ser nós a entrar nelas, mas as grande obras fazem o percurso inverso e são elas que entram em nós, abrem um caminho directamente até às emoções e afectam. É uma espécie de magia inexplicável. 

Adriaen_van_Utrecht_

Antes do Amanhecer - On the plains of Kalevala, "The Swan of Tuonela "

 

Sibelius : The Swan of Tuonela 

Junto ao rio de Tuonela, estudo para os frescos do Mausoléu de Jusélius

por Akseli Gallen-Kallela

"De acordo com a fé pagã finlandesa, o destino das pessoas boas e más é o mesmo e os mortos vagueiam pelo além como fantasmas semelhantes a sombras. Tuoni, deus dos mortos, e a sua mulher Tuonetar são os governantes de Tuonela. Embora as descrições físicas de Tuonela variem entre as diferentes versões do mito, uma descrição geral emerge da maioria.

De acordo com os académicos Felix Oinas e Juha Pentikäinen, Tuonela é descrita como estando na parte mais a norte do mundo, mas é separada do mundo dos vivos por uma grande divisão. Na divisão corre o rio escuro de Tuonela. 

O rio é selvagem, e os mortos podem ser vistos a tentar atravessá-lo a nado. Os mortos têm de atravessar o rio através de uma ponte feita de linhas de pesca, a nado ou num barco pilotado pela filha de Tuoni. O rio é guardado por um cisne negro que canta feitiços de morte. 

Por vezes, as pessoas vivas visitavam Tuonela para recolher informações e feitiços. A viagem exigia uma travessia por entre espinheiros e bosques perigosos, e a derrota do monstro Surma, um monstro que rasga a carne e trabalha para a deusa da corrupção, Kalma. 

Uma vez em Tuonela, os vivos não podiam sair. Eles eram recebidos por Tuonetar, que lhes oferecia uma cerveja que limpava a memória para apagar as suas vidas anteriores. Os xamãs podiam visitar Tuonela caindo em transe e enganando os guardas".

A palavra Tuonela é usada como tradução do ᾍδης (Hades) Grego nas bíblias finlandesas.

Esta história é contada na Kalevala, que é a epopeia nacional da Finlândia, escrita/compilada por Elias Lönnrot, um finlandês do séc. XIX, médico, filólogo e colecionador de poesia oral tradicional finlandesa. Para escrever a Kalevala Lönnrot reuniu uma extensa colecção de antigas canções populares que permaneceram vivas na tradição oral das populações finlandesas, sobretudo no distrito de Arcanjo na Carélia. O grande feito de Lönnrot foi conseguir costurar todas estas canções tradicionais numa única narrativa épica de considerável consistência. A Kalevala teve um importante papel no desenvolvimento do nacionalismo finlandês que finalmente levaria a Finlândia à independência da Rússia em 1917.

Muitas obras do compositor finlandês Jean Sibelius foram inspiradas em temas da Kalevala.

Nesta pintura vê-se o desespero dos mortos que têm de atravessar o rio. Despem-se, porque não se pode levar nada dos vivos para o reino dos mortos e porque, talvez, a nudez represente o estado da alma face à morte: fica descoberta de todos os artifícios da vida.

Quem quiser ler ou apenas espreitar a Kalevala, que é do domínio público, pode fazê-lo aqui: gutenberg.org/files

(excerto)

RUNE VI.

WAINAMOINEN’S HAPLESS JOURNEY.

Boasted then young Youkahainen,

Thinking Waino dead and buried,

These the boastful words he uttered:

“Nevermore, old Wainamoinen,

Nevermore in all thy life-time,

While the golden moonlight glistens,

Nevermore wilt fix thy vision

On the meadows of Wainola,

On the plains of Kalevala;

Full six years must swim the ocean,

Tread the waves for seven summers,

Eight years ride the foamy billows,

In the broad expanse of water;

Six long autumns as a fir-tree,

Seven winters as a pebble,

Eight long summers as an aspen.”

Nocturna - Jukebox

 

Este dueto onde eles os dois dançam com uma leveza e uma elegância como se nada implicasse esforço é um prazer de ver. As roupas dela, de um tecido fluído que acompanham os movimentos e as formas do corpo, ajudam a essa impressão de leveza, mas ele dança de fato -sempre abotoado- e gravata. Já não há alfaiates assim: ele mexe-se para todo o lado e o fato nunca faz refegos nos ombros e nas costas e nunca abre no peito, cai sempre direito. 

'Vultus trifrons' ou 'A Alegoria da Prudência'

 

Vultus trifrons ou Alegoria da Prudência de Pacio Bertini e Giovanni Bertini ou outro seguidor de Tino da Camaino - ca. 1340–55 (mármore de Carrara) - Robert Lehman Collection

Os três rostos deste pequeno busto, fragmento de um monumento maior, representam a virtude cardeal da Prudência.

As três naturezas da Prudência (memória, inteligência e providência) são representadas por um rosto coroado que aparece em diferentes fases da vida. 

Esta personificação associa assim a Prudência ao conceito de Idade do Ser Humano. A fusão das noções de virtude e do ciclo de vida humano coincidiu com uma compreensão mais matizada da natureza humana e com um enfoque no indivíduo.

/www.metmuseum.org

"A manhã começa a bater no meu poema."

 

Torre de Gárgulas de Edson Ferreira

Aniversários - Leon Battista Alberti

 

Auto-retrato de Leon Battista Alberti, nascido a 14 Fevereiro de 1404 em Génova, Itália.

Alberti foi aquilo que hoje chamamos um «polimata». Um autêntico homem da Renascença. 

Um dos autores e arquitectos mais brilhantes e originais de todo o Renascimento, Leon Battista Alberti teve uma produção que abrangeu a engenharia, a topografia, a criptografia, a poesia, o humor, o comentário político e muito mais. 

Utilizou a ironia, a sátira e a alusão lúdica nas suas obras escritas e desenvolveu uma abordagem sofisticada da arquitetura que combinava o antigo e o moderno. 

Nascido na elite florentina, Alberti foi, no entanto, desfavorecido devido ao exílio e à ilegitimidade. Como resultado, tornou-se um analista perspicaz das instituições sociais do seu tempo, bem como um escritor profundamente existencial que se interessava intensamente pela condição humana. 

As suas preocupações pessoais e intelectuais levaram-no a envolver-se num espectro cada vez mais vasto da cultura renascentista.

Alberti escreveu a primeira gramática italiana. Escreveu códigos e cifras para o Papado e existe um código com uma máquina para o descodificar chamado Código Alberti. (Sarah Stackpoole)

Alberti era um platónico, como se chamava, na Renascença, aos que atribuíam à matemática o fundamento das Artes e das Ciências.

Na altura em que fez esta obra, já tinha dois diplomas universitários e praticava todas as artes. Tinha sido readmitido na sociedade florentina após 24 anos de exílio - sendo ilegítimo, tinha mais a provar e não há dúvida que se esforçou-se ao máximo para o fazer. Ele próprio nos diz que era extremamente atlético, um excelente cavaleiro e um músico soberbo. Há quem afirme que ele foi mais importante que Leonardo. (SS)

Ele próprio o parece pensar pois neste auto-retrato de bronze afina as suas feições para aparecer com a têmpera de um Imperador Romano. Existe um outro retrato dele feito por Filippino Lippi na Capela Brancacci. Este que se vê a seguir.

E, se este retrato é fidedigno, Alberto aprimorou-se no seu auto-retrato de bronze mais acima: a testa alta, o nariz direito, a boca firme e o olhar determinado no perfil de uma cabeça assente num pescoço sólido. A cabeça de um aristocrata, bem cuidada e de uma calma superior.

(Aquele olho alado que se vê mesmo debaixo do seu queixo era a sua insígnia.)

Vasari descreve Alberti como "um cidadão admirável, um homem de cultura... um amigo dos homens de talento, aberto e cortês com toda a gente. Viveu sempre de forma honrada e como o cavalheiro que era."

Alberti morreu em Roma a 25 de abril de 1472, com 66 anos de idade.

Coisas importantes

 

Como distinguir, nas pinturas, Cupidos, putti e querubins?

William-Adolphe Bouguereau. Getty Museum

Que nome se dá exatamente aos pequenos bebés com asas que aparecem nas obras de arte clássicas e de estilo clássico? 

Vamos dar uma olhadela a alguns quadros para percebermos as diferenças entre um putto, um querubim e um Cupido.

Vénus sobre as Ondas, de François Boucher. 

O que é um Putto?

Quando se tenta identificar um bebé alado na arte, uma boa pergunta a fazer é: "O que é que aquele bebé está a fazer?" Vamos aplicar isso ao par de bebés alados no topo da pintura.
Estes dois estão a brincar às escondidas com a Maçã Dourada da Discórdia (pode ler mais sobre o simbolismo em Vénus nas Ondas aqui) e roubaram algumas das rosas de Vénus para fazer uma coroa de flores.

Se vir um bebé alado na arte a fazer algo similarmente malicioso, é provável que seja um putto. De facto, como putto é o termo genérico para todos os bebés com asas, seja o que for que se veja um bebé com asas a fazer, é tecnicamente um putto. Mas podemos ser um pouco mais específicos.

O que é um Cupido?

Para identificar um Cupido, olhemos para o fundo de Vénus nas Ondas. O que é que este bebé alado ou putto está a fazer? Está a segurar uma aljava de flechas. É o Cupido, o símbolo do putto do amor. Outra forma de identificar um putto é perguntar: "Com quem é que ele está?

Muitos Cupidos podem ser encontrados com Vénus ou Afrodite [as deusas do amor], como em Vénus on the Waves. Os Cupidos também podem ser apanhados a rondar os seus potenciais alvos. As setas do Cupido destinam-se àqueles que estão prestes a apaixonar-se ou, como na pintura de Getty, A Young Girl Defending Herself against Love, no topo deste post, àqueles que não têm tempo para uma paixão.

Plaque Representing the Virgin of the Immaculate Conception, 1730–1740, Francesco Natale Juvara. Silver; gilt bronze; lapis lazuli, 27 7/16 × 20 1/2 in. Getty Museum, 85.SE.127

O que é um querubim?

Para identificar um querubim, temos de fazer uma mudança de género. Os querubins são putti com conotações religiosas. O que é que os encontramos a fazer? Muitas vezes, estão a voar perto das margens de cenas religiosas na arte, ladeando os piedosos. Em cima, por exemplo, dão testemunho da Virgem Maria, a figura central da placa.

E é isto que precisa de saber sobre os bebés alados! Os putti são bebés alados genéricos, os cupidos são putti com flechas e os querubins são putti com conotações religiosas.

stories@getty.edu.

Lovely

 

There is this road that flows through the forest,
like a gray river.
      - Zeke2k

Peder Mork Monsted  - (Danish painter)
Wooded path by a river, 1894

Evolução

 

Em Dezembro passado vi esta famosa pintura de Dali no Thyssen, em Madrid. Já tenho ao Thyssen aí há uns trinta anos ou assim, mas não me lembro de alguma vez ter visto esta pintura a não ser em livros e reproduções. Foi um choque. O quadro é pequeno, tem 50 cm por 40cm, provavelmente já a incluir a moldura. 

Como a pintura chama-se, Sonho provocado pelo voo de uma abelha em torno de uma romã um segundo antes de acordar, sempre olhei para ela como uma interpretação de um sonho, com óbvios elementos sexuais. Porém, quando me pus em frente do quadro e a vi, a primeira impressão que tive, não foi de sonho mas de impulso e movimento. Há um disparo inicial que projecta estas figuras como balas na nossa direcção e vemos esse ímpeto e essa dinâmica. O que vi não foram sonhos mas a ideia de evolução.

Num fundo de elementos da natureza saem duas sementes que dão origem ao fruto, do reino vegetal e do fruto sai o peixe, do reino animal e do peixe sai o mamífero de onde surge o humano. Portanto, na ideia de de água está já contida a semente que levou ao humano e no humano estão incluídas as etapas anteriores da vida terrestre. 

Depois, há outros elementos e pormenores muito típico de Dali, mas o que pensei e senti em frente à pintura foi a força e a direcção do ímpeto evolutivo. Depois de ter visto a pintura desta maneira vejo muitos pormenores e sentido onde antes não via. 

Às vezes os nomes atrapalham uma compreensão mais completa e profunda das obras e: nenhuma reprodução substitui a visão do original.

Dali - Sonho provocado pelo voo de uma abelha em torno de uma romã um segundo antes de acordar

Surrealismo real

 

Primeiro vemos uma rua normal, depois observamos uns arcos magníficos clássicos e depois reparamos no comboio em cima deles e toda a cena se transforma numa sobreposição de vários níveis de realidade, mágica - ou talvez metafísica, como nas pinturas de De Chirico.


por Andre Kertesz — Meudon, França, 1928

Amanhecer na noite

 

Uma pintura do britânico Phil Lockwood (nascido em 1941). Repare-se que cada janela é um quadro de Edward Hopper, até ao bar-cafetaria.

The Rising Tide

 The Rising Tide

por Jason deCaires Taylor

Localização: Rio Tamisa, Vauxhall, Londres; 

Edição 2: Museo Internacional de Arte Contemporáneo, MIAC, Lanzarote, Ilhas Canárias
Data de instalação: 2015

The Rising Tide é vagamente baseada nos quatro cavaleiros do Apocalipse. Os cavalos e os seus cavaleiros são revelados e parcialmente escondidos pelo fluxo e refluxo diários do rio. As cabeças dos cavalos foram substituídas por uma bomba de poço de petróleo. As figuras adaptadas ilustram uma atitude de negação ou ambivalência em relação à nossa atual crise climática, enquanto os jovens cavaleiros representam a esperança de uma mudança futura.
As esculturas simbolizam o nosso desejo de controlar as forças naturais, mas a sua posição numa vasta massa de água em movimento realça a nossa fragilidade inerente. Pretende ser uma metáfora perturbadora da subida do nível do mar, demonstrando o pouco tempo de que dispomos para agir, mas, fundamentalmente, oferece esperança, uma vez que se reinicia todos os dias, oferecendo-nos a oportunidade de mudar.
Mais tarde, foi criada uma segunda edição para o Museo Internacional de Arte Contemporáneo, em Lanzarote, nas Ilhas Canárias.

Um regalo para os olhos - Galeria Colonna

 

Pode ver-se o vídeo completo (7 m) no site do Palácio: galleriacolonna.it/. Melhor ver em tela cheia. 

Nunca fui ver o Palácio e a Galeria. Uma grande falha, mas enfim, Roma tem tanto que ver que já lá fui quatro vezes, vi sempre coisas diferentes (algumas repeti) e deixei muito por ver. Aqui está um pretexto para lá voltar.

------------

O Palazzo Colonna é um conjunto de edifícios palaciais na região central de Roma, na base do monte Quirinal, vizinho da Basílica dos Santos Doze Apóstolos, no rione Trevi. Foi construído sobre parte das ruínas de um antigo serapeu romano e é propriedade privada da prestigiosa família Colonna há mais de vinte gerações (800 anos). Wiki