Este artigo é uma entrevista sobre a perda de foco na apreciação da arte e, como seria de esperar, passam mais tempo a falar de telemóveis que da própria arte. A entrevistada, uma historiadora de arte que lançou o livro, Disordered Attention, ultrapassa o seu domínio, por assim dizer, e entra no domínio mais vasto da reflexão sobre o efeito dos telemóveis na concentração, sem nunca ponderar o que isso significa em termos de perda de crescimento e riqueza internos, em perda de qualidade da própria arte, etc. e acaba a defender que a distracção é positiva, apesar de só dar exemplos do oposto, porque esta distracção significa que voltámos à época anterior ao século XIX (é ela que o diz), em que a maioria das pessoas ia ao museu, ao teatro ou à ópera para socializar e só intermitentemente ligava à arte que se passava à sua volta. Além disso, acrescenta, precisamos da distracção constante do telemóvel para sabermos onde estão as nossas crianças. Enfim, quando o melhor argumento para defender a distracção é termos voltado atrás a um tempo em que pouco se ligava à arte, no que me diz respeito, o seu livro é um livro a não comprar.
Olhar para a arte nunca mais será o mesmo
Uma conversa com a historiadora de arte Claire Bishop sobre a influência da tecnologia nos museus e galerias e o seu recente livro Disordered Attention.
A atenção é muitas vezes definida por aquilo que exclui: concentrar-se numa coisa significa ignorar outra. A atenção também pode ser um estado mais do que uma ação deliberada, uma “distribuição relaxada da atenção”, como Claire Bishop, professora de história da arte no CUNY Graduate Center, escreve em Disordered Attention.
O seu livro acompanha a forma como a nossa atenção foi reorganizada pela tecnologia digital e como os artistas, em particular, ajustaram o seu trabalho em resposta a esse facto. Hoje em dia, a maioria das pessoas tem o telemóvel na mão quando visita uma galeria; tira fotografias, envia-as por SMS aos amigos, procura os artistas.
A natureza sociável da atenção teve origem nos teatros e museus dos séculos XVIII e XIX. Nessa altura, tal como agora, os artistas dirigiam e, por vezes, brincavam com a nossa atenção. No século XVIII, o compositor austríaco Joseph Haydn inseriu silêncios na sua música, que de outra forma seria ordenada, para frustrar as expectativas dos seus ouvintes e despertá-los para a atenção.
O museu contemporâneo de paredes brancas segue uma lógica semelhante. O facto de rodear as obras de branco permite-nos concentrar na própria arte. Outros artistas estão a tratar as formas contemporâneas de sobrecarga de informação como uma oportunidade. Na Bienal de Veneza de 2019, uma ópera com o tema das alterações climáticas, Sun & Sea, decorreu durante oito horas seguidas. Um elenco de banhistas lia e construía castelos de areia numa praia construída dentro de uma galeria, enquanto o público entrava e saía do mezanino, conversando e tirando fotos. Esta configuração, juntamente com a duração da ópera, encorajou uma atenção difusa que existia tanto aqui (a galeria) como lá (online).
“Viemos para documentar enquanto olhamos”, escreve Bishop. No início, ficou irritada com a atuação. Não conseguia distinguir quem estava a cantar, e o ruído periférico zumbia à sua volta. “Depois, apercebi-me de que não era esse o objetivo da peça”, disse. “Gosto muito destas obras de longa duração porque nos incentivam a ficar e a observar as repetições, as iterações e a ver como as coisas mudam.”
O The Nation falou recentemente com Bishop sobre a performance ao vivo, as respostas artísticas à economia da atenção e a forma como a arquitetura dos museus produziu uma nova forma de olhar. Esta entrevista foi editada por razões de extensão e clareza.
-Francesca Billington
Francesca Billington: Escreve que, durante uma visita a um museu, alterna entre a arte e o seu telemóvel. Pode digitalizar um código QR para ler sobre a exposição, responder a mensagens de texto, fotografar as etiquetas. Quando é que este tipo de comportamento começou? Até que ponto é impulsionada pelos nossos próprios hábitos de atenção e até que ponto é encorajada pelos próprios museus?
Claire Bishop: Estava a tentar perceber se era só eu ou se tinha havido uma mudança cultural mais ampla em relação à atenção. Costumava ser tão absorvida por instalações com várias partes - agora sinto-me muitas vezes sobrecarregada. Por isso, parte do argumento é que os nossos hábitos de leitura mudaram em resultado dos smartphones e da Internet. Habituámo-nos a solicitações intermitentes que competem pela nossa atenção. Diria que este argumento atingiu o seu ponto mais alto por volta de 2016, altura em que se assistiu a uma explosão de indignação contra os telemóveis nos cinemas. Os museus seguiram o caminho oposto e decidiram aproveitar estas múltiplas solicitações da nossa atenção.
O livro é sobretudo um argumento contra as pessoas (e há muitas no meio académico!) que ainda acreditam na atenção totalmente concentrada - a ideia de que se pode e deve ficar de pé e hipnotizado por uma obra de arte durante muito tempo sem quaisquer intermediários tecnológicos. Não sou contra isso - recentemente fiquei a olhar para a Olympia de Manet no Met - mas já não é uma descrição realista da forma como as pessoas olham para a arte.
FB: Qual é a relação entre a arquitetura destes lugares (museus, teatros) e a forma como aprendemos a lidar com certas formas de arte?
CB: Podemos ver como certas arquitecturas do olhar foram criadas no século XIX para produzir aquilo a que se chama “atenção” - os museus mudaram as suas práticas de suspensão, os teatros introduziram a escuridão e alteraram a disposição dos lugares. A moderna galeria de cubos brancos, com uma única linha de obras na parede, tem tudo a ver com a produção de uma atenção concentrada, uma espécie de relação de um para um entre a obra e o espetador. E no teatro, trata-se da construção de um espaço escuro para uma atenção reverencial ao que está em cena - nada de falar ou conversar ao mesmo tempo!
FB: Pode ser fácil desesperar ao ver que as pessoas passam mais tempo a tirar fotografias do que a ver arte. Mas também nos mostra que as novas formas de atenção não são de todo más. Além disso, não são totalmente novas.
CB: Toda a ideia de atenção totalmente concentrada e arrebatada é uma construção moderna que data do final do século XIX. Quando olhamos para imagens de museus e teatros do século XVIII - são desenhos e gravuras, obviamente - ficamos impressionados com a multidão atarefada a falar uns com os outros e, em grande parte, alheia ao que está no palco ou nas paredes. Assim, o tipo de atenção socializada que temos hoje em dia na galeria ou no museu - tirar fotografias, fazer videoclips, enviar mensagens de texto, etc. - pode ser visto como um regresso à espectatorialidade sociável pré-moderna. Em vez de classificar a utilização de telemóveis em espectáculos como “distração” e, portanto, como um problema, vejo os telemóveis com câmara como uma tecnologia que nos devolve a uma forma pré-moderna de sociabilidade.
FB: Mas não é antissocial bloquear a vista de alguém para um quadro?
CB: Deixe-me esclarecer: apresento este argumento sobre a sociabilidade pré-moderna em relação à performance ao vivo, não às exposições de grande sucesso. Quero situar a performance nos museus - e o uso de telemóveis pelas pessoas - numa história mais longa de espectadores de teatro com óculos de ópera e arquitetura de balcões em ferradura, todos eles concebidos para ver o público tanto quanto a performance. No teatro convencional, pelo menos, ainda existe a expetativa de que não se pegue no telemóvel - lembrem-se do fiasco de Rihanna a enviar mensagens de texto a Jeremy O. Harris a meio de Slave Play, em 2019. Mas quando se passa da performance para a galeria ou museu, as expectativas comportamentais mudam, porque tiramos fotografias de obras de arte há muito mais tempo.
Sim, é claro que as pessoas que tiram fotografias são irritantes. Lembro-me de ir ao Uffizi há 20 anos e os turistas andavam como zombies a filmar toda a experiência, sem parar para olhar para as obras. Sou a favor de tolerar a espectatorialidade híbrida, em que se olha para a obra e talvez se tire também uma fotografia. Obviamente, ir demasiado longe em qualquer uma das direcções também não é bom: se só se está a experimentar algo através da mediação, porque é que se está lá? E o movimento do “slow looking” parece ser bastante conservador - é excessivamente reverencial e tecnofóbico. Quero defender que ambos são possíveis, que estar com o telemóvel é uma forma de olhar de perto.
FB: Penso muitas vezes no impulso que tenho, quando estou numa exposição de um museu, de verificar o meu telemóvel mesmo que não queira tirar uma fotografia. Isso parece-me uma desvantagem do nosso acesso à tecnologia.
CB: Isso é um problema e é algo contra o qual estou constantemente a lutar. Também não me sinto atraída pela solução da atenção plena e do retiro tecnológico para o problema.
FB: Porquê?
CB: Dependemos dos nossos telemóveis para trabalhar; não se trata apenas da vida social. Há um pressuposto de classe sobre o privilégio de poder desligar. Para muitas pessoas na economia gig e com empregos precários e sem contrato à hora, simplesmente não é possível desligar. Quem tem filhos também sabe disso. Nunca se sabe quando é que vai haver um problema com a guarda das crianças e se vai ser chamado.
(...)
FB: Como é que as estratégias formais dos artistas se alteraram em relação às mudanças na capacidade de atenção a que estamos a assistir?
CB: Está a acontecer de várias formas, algumas conscientes, outras não. Penso que, hoje em dia, todos os artistas antecipam o aspecto que a exposição vai ter numa fotografia. Depois, ao nível de uma obra, há diferentes respostas, algumas das quais, na minha opinião, são mais sintomas do que tentativas deliberadas de abordar criticamente a atenção como um problema. Por um lado, temos o aumento do interesse pela performance, especialmente pela performance de longa duração. Este é um efeito directo da tecnologia dos meios de comunicação, como os smartphones. Há um desejo de experiência imediata, de estar em conjunto com um grupo de pessoas. Mas também é paradoxal: o imediatismo físico da performance também fica óptimo em fotografias. É tanto um sintoma como a cura.
(excerto)
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